La época de PS3 y Xbox 360, fue un tiempo de experimentación en cuanto al género RPG. En ese entonces, se lanzaron juegos que nos proponían explorar bastas tierras en la que podíamos hacer casi de todo, desde ser un vándalo o un paladín de la justicia. Tenemos el caso de Risen, de Pyranha Bytes, un RPG salido en el año 2009 que intentó suplantar la obra cumbre del estudio, Gothic. Aunque no tuvo la relevancia esperada, al menos tuvo la suficiente para granjearse dos secuelas más.

Sin embargo, en la era de los remaster, remakes y demás, Risen es para la actual generación, un port directo que trae consigo todas las cosas que hicieron que el juego no destacara en su momento. Lamentablemente, debo decir que si el juego no gustó originalmente, no creo que ahora vaya a hacerlo.

Una isla misteriosa

El juego inicia con un viaje por barco en el que una tormenta misteriosa trae consigo una extraña criatura y un personaje conocido como Inquisidor intenta detener sin éxito. Nuestro personaje principal iba de polizón junto con una mujer y tras el desastre quedan varados en las orillas de una pequeña isla llamada Faranga. Tras abrirnos paso a través de bestias salvajes, finalmente encontramos civilización en la isla, y se ve más organizada de lo que debería.

Pronto nos damos cuenta que la isla está en medio de una lucha de poder, ya que una fuerza conocida como la Inquisición ha derrocado al pirata líder local Don Esteban. Mientras tanto, un misterioso templo ha aparecido en el centro de la isla, y se cree que alberga criaturas antiguas conocidas como Titanes.

En la isla, los jugadores pueden explorar un microcosmos de las facciones y la política posterior del mundo en general. Habrán tres facciones principales: un monasterio misterioso en el que hacen uso de la magia, un campamento de forajidos que luchan por sobrevivir en los pantanos y la mencionada Inquisición.

Como es costumbre en Piranha Bytes, se nos presentará una selección de tres facciones con las cuales aliarnos, esto afectará de manera visible, acontecimientos futuros dentro del juego. Estas elecciones aportan variedad al RPG, y realmente importa en términos de narrativa y construcción de tu propio personaje.

Un gameplay agridulce

El gameplay de Risen se basa igualmente en la decisión de ayudar a una u otra facción. Cada una tiene sus propios beneficios y desventajas, además de cuestiones morales que hacen que aliarse con una u otra sea un verdadero enigma. Esto da pie a posibilidades de diferentes construcciones de personajes, que puede hacer de Risen un buen candidato a repetir varios runs.

La isla de Faranga, aunque no es la más extensa, sí que tiene la densidad necesaria para mantenernos entretenidos. Posee entornos muy variados con fauna, flora y habitantes propios de cada zona. Siempre hay algo que ver y hacer en Faranga, y la exploración pudiera ser gratificante si tan solo el control no fuera tan engorroso.

El sistema de combate, no fue mejorado y por lo tanto, nos encontramos con un control heredado de sistemas para PC que intenta encajar en consolas. Para seleccionar armas, debemos acceder a un menú que en PC funciona bien, mientras que en consolas es muy confuso. Una vez lidiamos con la selección de un arma, pasamos al combate. Este no cuenta con sistema de apuntado y en el que estaremos dando golpes al aire, y por si fuera poco, los enemigos tienen una agilidad para esquivar impresionante. Esto puede ser frustrante al principio del juego, pero a medida que desarrollamos nuestras habilidades y obtienemos acceso a otras nuevas, crece en alcance y se vuelve más fácil constantemente.

El juego cuenta con un sistema de progresión que bien pudiera ser interesante, pero el hecho de que el combate resulte frustrante, no ayuda mucho ser nivel 100. Se pueden invetir puntos en ramas como alquimia, cerrajería, herería, etc, mientras que a los stats debemos comprar con dinero los incrementos. Esto significa que para ser poderosos, debemos tener los bolsillos llenos, lo que equilibra la balanza para no ser demasiados OP.

Una isla muy densa

Risen anima a los jugadores a explorar varias soluciones a una misma misión. Muchas de las misiones a lo largo del juego se pueden resolver de varias maneras interactivas, sin comprometer el sistema de moralidad de una solución buena y una mala.

Al subir de nivel, lo hacen también las habilidades de armas que también permiten obtener acceso a otras nuevas habilidades y movimientos para el combate, como detener ataques o ataques con grandes áreas de efecto para ayudar a lidiar con hordas de enemigos. Es probable que el combate aleje a muchos jugadores, pero para aquellos valientes que se quedan encontrarán un juego en parte interesante.

No ayuda el hecho de que el juego no ofrezca tutoriales claros sobre que hacer. Además, muchas de las mecánicas del título, tampoco son explicadas con claridad. Esto nos puede llevar a buscar en internet como jugar de la mejor forma a Risen.

No es un remaster

El apartado gráfico de Risen, se ha quedado en el tiempo. Apenas se adaptó el esquema de pantalla a 16:9. No hay nada de nuevos modos gráficos ajustes de texturas o aumento en la resoluciones. El juego fue pasado tal cual a la actual generación, lo que hace que se le noten los años de cuando fue lanzado el juego.

Mientras tanto en el apartado sonoro, los diálogos tienen un buen nivel de interpretación de cada actor. En cuanto a los temas musicales, no es que destaquen mucho y se apega a lo que es un juego de corte épico medieval.

Veredicto

Risen para la actual generación de consolas es algo extraño de analizar. En primer lugar, al ser un port directo y venir con todos sus problemas de control, no es la mejor manera de introducir el juego a nuevos jugadores. Aunque puede tener una historia algo interesante y presenciar acontecimientos distintos, dependiendo de la facción elegida. En cuanto a gameplay, tiene buenas intenciones y mecánicas, pero el control engorroso y poco intuitivo no ayuda a la causa.

Nota: Este review fue realizado en la versión de Xbox Series X y el código fue cedido gracias a THQ Nordic.

Es común que cuando un juego llegue por sorpresa, generalmente no pasan del 7 como media de calificación. A saber, ya sea que la casa editora no confía en el producto, o directamente saben que tienen una bazofia de juego. Sin embargo, recibimos con beneplácito a Hi-Fi Rush de Tango Gamesworks, los padres de The Evil Within con Shinji Mikami a la cabeza.

Hi-Fi Rush es un juego de acción rítmica, un sub-género muy de moda con representantes como el genial Metal: Hellsinger y otros más antiguos como Patapon. Sin embargo, yo que me quejo de la falta de exclusivas de peso de Xbox, me han callado la boca con semejante juego. No solo destaca en su ejecución, sino además por su sublime e impresionante apartado gráfico, algo que no se ve desde el lanzamiento de Jet Set Radio que sorprendió a propios y extraños.

1, 2, 3

Hi-Fi Rush trata la historia de Chai, un joven optimista, amante de la música y bonachón que tiene el deseo de ser un cantante de Rock. Sin embargo, tiene uno de sus brazos inservible y decide someterse a un experimento arreglar este problema con un brazo mecánico cedido por la Corporación Vandely. Como no podía pasar sin contratiempos un accidente hace que un reproductor portátil caiga sobre la mesa de cirugía y se implante en su pecho.

Es así como Chai obtiene poderes especiales, no sin antes darse cuenta que la corporación Vandelay quiere eliminarlo por considerarlo un experimento defectuoso. Tras un primer intento de eliminación con robots, Chai se da cuenta que el reproductor le permite crear de la nada una guitarra que utilizará para atacar al ritmo de la música.

A grandes rasgos, es una historia que bien pudiera aparecer en una caricatura de sábado por la mañana, sin alardes guionísticos que vayan a sorprender a nadie. Sin embargo, sus protagonistas y el trabajo de doblaje, han dotado al título de mucha personalidad. Es una historia divertida con mucho guiños a la cultura popular, lo que hace que el juego no se tome en serio ni así mismo.

Al ritmo de la música

Jugablemente, se puede incluir a Hi-Fi Rush dentro de varios géneros como Hack and Slash, plataformas y juego de ritmo. Debemos avanzar por lo que parece ser todo el conglomerado Vanderly que tiene forma de fábrica automatizada con el objetivo escapar. La fábrica estará llena de trampas, secciones sobre raíles y combates en los que, repito, el ritmo es la clave.

Para empezar tenemos un ataque débil, otro fuerte y botón de salto y esquiva, muy a lo Devil May Cry. Pero no solo en su ejecución se parece al juego de Capcom, sino además en la premisa de ataques cuerpo a cuerpo. Tendremos un marcador de combo que va desde la letra D hasta la S, que mientras mejor lo hagamos, mejor será nuestra puntuación final. Para esto debemos hacer uso de cada ataque, saber esquivar, realizar un contraataque y el uso de habilidades especiales. Además, podemos hacer una serie de combinaciones para hacer más espectaculares los enfrentamientos, aunque realmente el repertorio se siente limitado.

Sin embargo, la gran diferencia radica en que todo está sincronizado con la música desde el escenario, personajes y hasta marcadores de posición, que nos indica en que el ritmo a seguir. Esto es importante porque sirven para realizar combos espectaculares al sincronizar nuestros ataques con el tono de la música, lo que implica realizar más daño a los enemigos. Para llevar bien el ritmo, tanto Chi como el entorno nos indican en que momento realizar la acción. No es algo imperativo, pero sí se recomienda, aunque el juego es bastante intuitivo en ese apartado.

Pero no estaremos solos en esta empresa, ya que contamos con la presencia de compañeros que nos ayudarán en la travesía. Podemos pedir soporte a nuestros amigos que iremos conociendo a lo largo de la aventura y estos resultan útiles para lidiar con enemigos en específico. Por otro lado, Hi-Fi Rush, es un juego muy accesible, tiene una serie de opciones para ayudar al jugador a disfrutar del juego. Por ejemplo, si no tenemos sentido del ritmo, se puede activar una opción visual que activa una barra en pantalla al presionar un botón.

Un juego único

Hi-Fi Rush destaca por su increíble apartado artístico, el cual es uno de los mejores usos del Cel-Shading de juego alguno, sin exagerar. El juego hace uso de una paletas de colores vibrantes con transiciones de escenas cinemáticas a gameplay como la seda en la que apenas nos daremos cuenta. Es una caricatura interactiva en toda regla, que cualquier posición que adopten los personajes parecerán sacados de un cómic. Es una delicia ver el juego correr a 60fps sin fisura alguna. También destacan las animaciones de los personajes, aunque los entornos se vuelven repetitivos.

En cuanto a su apartado sonoro, obviamente el juego tenía que destacar sí o sí. Posee temas inéditos, hechos para la ocasión como otros con licencia. Se han tomado tan en serio este apartado, que hay una opción para Streamers, el cual, a las canciones con licencia las sustituye por otras genéricas para no recibir advertencias de copyrigth. Sobre el trabajo de actuación de voz, es simplemente genial. Los personajes transmiten ese entusiasmo al tener sus conversaciones, que es otro motivo por el que afirmo que se siente como una caricatura de sábado por la mañana.

Veredicto

Hi-Fi Rush es a todas luces, un candidato a sleeper del año. Realmente, una grata sorpresa que no dejará indiferente a nadie. Una historia con muchos guiños, referencias y cuyo trabajo de doblaje es de admirar. Un gameplay basado en el ritmo que resulta bastante divertido e intuitivo. Es un juego que invita a rejugarlo y cuyo apartado visual deja dislimbrado a más de uno.

Nota: Este review fue realizado gracias a la copia cedida por Bethesda.

No cabe duda de que Bob Esponja ha sido un personaje muy popular y tan querido dentro de nuestra cultura. Prueba de ello es que también lo es en el mundo de los videojuegos, con varios títulos desarrollados a lo largo de los años. Muchos de esos juegos suelen ser entretenidos y llenos de acción, pero están enfocados principalmente en un público adolescente. Así es como THQ Nordic nos trae a SpongeBob SquarePants: The Cosmic Shake, un título que quiere seguir la estela de SpongeBob SquarePants: Battle for Bikini Bottom.

El juego antes mencionado, tuvo un remaster con el sub-título Rehydrated del cual realizamos un review el año pasado. The Cosmic Shake puede ser considerado una secuela ya que mantiene algunas de sus mismas bases jugables. Sin embargo, es más condensado y prescinde de algunas mecánicas como la faceta multijugador, aunque no deja de ser buen juego, solo que se siente más enfocado a los niños.

Una sacudida mágica

SpongeBob SquarePants: The Cosmic Shake, sigue a nuestro amigo amarillo Bob Esponja y su mejor amigo Patricio quienes en una feria de Fondo de Bikini consiguen unas burbujas mágicas por medio de una gitana sin saber con quienes estaba tratando. Estas burbujas desatan el caos cuando toda la ciudad es engullida por un agujero cósmico, llevándose además a todos los personajes de la serie a excepción de Bob.

Mientras Patricio es convertido en una versión de globo flotante, el duo deberá enfrentarse a desafíos para recuperar partes de la ciudad y con ella todos los habitantes. La trama del juego está desarrollada como si se tratara de un episodio más de la serie, o específicamente de una de las pelpiculas del personaje, lo que hace que sea fácil para los fanáticos entrar dejarse llevar.

Los personajes de la serie, como Plancton, Don Cangrejo, Calamardo, Arenita, y algunos nuevos también aparecen en el juego y juegan papeles importantes en la historia. Hacen que al menos la historia sea entretenida. Sin embargo, al final nos encontramos con el sentido del humor absurdo por el que la serie es conocida.

Fondo de Bikini y otros mundos

En cuanto al gameplay en sí, los jugadores controlan a Bob Esponja mientras viajan a través de diferentes mundos y enfrentamos unos extraños seres en forma de enemigos para recuperar los personajes y locales de la ciudad perdidos. Mientras tanto, Patricio sirve a modo consejero e indicador de que hacer a continuación, limitando su papel a eso simplemente. El juego es un plataformas en 3D que ofrece una variedad de desafíos en cada nivel.

Cada mundo, tiene una temática distinta de épocas como el Viejo Oeste, un estudio de cine, prehistoria, etc. En cada nivel tendremos que realizar alguna misión principal y otras secundarias para obtener monedas, Jalea de Medusa y las mismas medusas a modo de coleccionables. Poseen sus desafíos particulares, además de minijuegos como el de agarrar la jarra de jugo de medusa, por poner un ejemplo.

Bob, irá consiguiendo habilidades únicas que se pueden utilizar para superar los desafíos del juego. Entre las habilidades están doble salto, planear al estilo Zelda Breath of the Wild, pisotón, y algunas otras. Estas habilidades también permiten volver a visitar niveles pasados para obtener secretos y nuevas recompensas.

En cuanto al combate, básicamente atacaremos con nuestra red atrapa medusas a los enemigos. Sin embargo, apenas ofrecen un reto ya que el juego se siente muy fácil. Tendremos enemigos variados aunque igual siguen siendo fácil derrotarlos, porque incluso si perdemos toda nuestra salud, volveremos al Check Point más cercano.

Una caricatura interactiva

Gráficamente, SpongeBob SquarePants: The Cosmic Shake es colorido pero sufre de los mismos inconvenientes de la Nintendo Switch como distancia de dibujado corta y una predominancia del color rosa que abruma. Aunque se ve y corre mejor que otros juegos como Crash Bandicoot. En algunas ocasiones sufre ralentizaciones o parones de frames, aunque nada grave, eso sí.

El sonido es lo que podemos ver en cualquier episodio de la serie, como los efectos sonoros de golpes, caídas, apariciones, etc. Sobre las voces viene doblado en inglés, francés, inglés, pportugués brasileño, entre otros e incluye las voces de los actores de la versión en español, los cuales hacen un buen trabajo representando sus personajes.

Veredicto

En general, SpongeBob SquarePants: The Cosmic Shake es un juego divertido y entretenido que se adapta perfectamente al estilo de humor absurdo de la serie animada. La historia es interesante y está llena de giros y vueltas, y los personajes son divertidos y fieles a los de la serie. Sin embargo, puede ser fácil para jugadores más experimentados, porque apenas ofrece reto de dificultad alguno.

Nota: Este review fue realizado en la versión de Nintendo Switch y el código fue cedido gracias a THQ Nordic.

Por alguna extraña razón carente de explicaciones… Los juegos de disparos en primera persona con temática retro están haciendo acto de presencia y multiplicándose a medida que pasan el último par de años.

Recientemente tuvimos entre manos otro ejemplo similar del género, conocido como “Impaler”.

Sin embargo, ahora tenemos entre manos un producto que, si bien cae en una categoría similar, está mucho más pulido y muestra ambiciones mucho más completas.

Trayéndonos de vuelta a la onda shooter noventera y de los dos mil…

“Dread Templar” podría posicionarse entre esos shooters de primera persona que empezaron a aparecer una vez que el formato tridimensional de diseños y animaciones para videojuegos se convirtió en el estándar.

Gráficos similares a aquellos ejemplares de Gamecube y Play Station 2, que no aspiraban al pináculo en cuanto a ambición y atención al detalle. Pero que sin embargo, para su época, eran lo más sofisticado que la tecnología y softwares para diseño permitían.

La limitación en aquella época radicaba en un umbral de creatividad relativamente reducido en cuanto a jugabilidad y movilidad.

Jugabilidad moderna en un juego retro

Dread Templar rompe con esa barrera y trae una jugabilidad bastante fluida en comparación con sistema de hit boxes y tiempos de respuesta rápidos acompañados de precisión.

En aquellos tiempos, sólo ejemplares como el legendario “Medal Of Honor: Allied Assault” traían consigo el nivel de aparataje que creaba diferencias sustanciales entre tirar a un pie y tirar a la cabeza.

La mayoría de los títulos de competencia todavía tenían tecnicismos básicos que se mantuvieron como el estándar hasta que se popularizaron las modalidades de multi jugador en línea de las primeras “Call Of Duty”.

El momento en el que vimos las primeras iteraciones de jugabilidad que respondían de manera precisa a jugar con ratón y teclado con tiempos de respuesta bajos y precisión fundamentada de pixel a pixel, fue el mismo momento en el que los periféricos de alto calibre para videojuegos en computadora se volvieron negocio.

Tenemos entre nosotros un juego en el icónico estilo de “DOOM” con una velocidad de ejecución y movimiento sumamente frenética y varios niveles de dificultad que promete un buen rato de diversión presentando varias categorías de desafíos.

A ello se suma una variedad inmensa de enemigos con patrones de interacción y movimiento distintos que se posan en frente a un arsenal extenso de armas con diferentes aplicaciones.

Mapas generosamente grandes llenos de secretos y cosas por descubrir

A al fecha, el concepto de un “mapa grande” se ha envuelto en un criterio completamente fuera de proporción.

Los diferentes juegos de rol modernos traen consigo mapas ambiciosísimamente grandes que demandan de presupuestos y recursos inmensurables.

Sin embargo, en la época de video juegos en la cual se basa Dread Templar; tener mapas lineales que muestren una variedad surtida de enemigos y diferentes ecosistemas era un 10/10.

Para poner cerezas sobre el pastel; también tenemos aquella costumbre casi olvidada de los video juegos retro en la cual los mapas traen consigo secretos que requieren de cierto nivel de insistencia intelectual y creatividad para desbloquear.

Musicalización que busca continuar las tendencias trazadas por Bobby Prince, Mick Gordon y Andrew Hulshult… Pero no del todo.

El compositore John Weekley, mejor conocido como “PRIMEVAL”, es quien lleva las riendas de composiciones sumamente energéticas y bien pensadas que nos acompañan a medida que travesamos los distintos niveles y ecosistemas dentro de Dread Templar.

Composiciones que en similitud con las últimas entregas de “DOOM”, bajo la mente maestra de “Mick Gordon”; buscan mezclar sonidos electrónicos en industriales con Groove metal moderno.

Los temas como tal, en aislamiento, son composiciones convincentes y bien ejecutadas; que como canciones de una nueva banda venidera se darían a querer y lograrían el éxito por seguro.

Sin embargo, a la hora de evaluar el contexto; la musicalización no siempre interactúa de manera adecuada con los estímulos visuales.

En contraste, se apegan más a la modalidad de musicalización para video juegos antigua bajo la cual trabajaban los compositores en los 90s.

Mi problema con esto, es que el juego generalmente se posiciona dentro de la cultura gaming de los 2000; cuando ya entregas como “Super Mario 64” hacía años que trabajaban con soundtracks interactivos que reaccionaban directamente a los sucesos del juego.

Adjunto a esto, hay mucha cabida a mejoras en el área de mezcla y mastering que podrían haber hecho que la música fuese mucho más potente, acentuada y prominente dentro del producto multimedia de consumo.

Los grandes de la música dicen que buenas canciones con mal mixing funcionan mucho mejor que malas canciones con buen mixing.

En mi opinión personal, ambos extremos van en detrimento.

No pretenderemos hacer acusaciones directas y alegar que haya sido por presupuesto o el nivel de competencia detrás de los directores de sonido… Sin embargo, es una debilidad difícil de ignorar.

En fin…

Dread Templar es definitivamente un rato entretenido que atraerá la atención tanto de casuales como de veteranos de los juegos retro que buscan el máximo nivel de desafíos y particularidades dentro de un juego.

Una experiencia divertida y sumamente pulida que, a diferencia de otras entregas retros en la época moderna, invita a ratos largos de juego sin causarles pereza al usuario.

Este review fué posible gracias al acceso cortesía de T19 Games.

Pareciera ser que el género del Survival Horror, está teniendo un segundo aire los últimos años, con producciones como los remakes de Resident Evil 2, 3 y 4; el reciente The Callisto Protocol, y otras producciones menos reconocidas. Uniéndose a la ola tenemos a EA y Motive Studios que nos traen a Dead Space, el remake del título de terror de 2008.

Sí, un remake hecho desde las bases, con otro motor gráfico, nuevas escenas y adecuación de la historia a estándares actuales. Nunca había tenido la oportunidad de jugar la trilogía original en la séptima generación de consolas y quise hacerlo aprovechando que está en Game Pass, y realmente me perdí de un buen juego. Fue algo interesante probar ambos juegos en paralelo y ver las diferencias de cada uno.

Bienvenido al USG Ishimura

La humanidad ha descubierto la minería interplanetaria, debido a que los recursos energéticos de la Tierra se han agotado. Esta actividad se realiza por medio de grandes naves extractoras en diferentes planetas, una de ellas es la USG Ishimura, la nave más antigua de la corporación minera llamada Corporación de Extracción Concordia (CEC) que está destinada en Aegis VII. La compañía ha perdido el contacto con Ishimura y deciden enviar un grupo de técnicos con el fin de ver que ha sucedido.

Tomamos el papel de Isaac Clarke, un ingeniero a bordo de una nave de mantenimiento quien junto con Zach Hammond, jefe de seguridad y encargado de supervisar la misión; y Kendra Daniels, experta en informática, descubren que la tripulación ha sido convertida en una peligrosas criaturas conocidas como Necromorfos. Es así como Isaac deberá adentrarse en la USG Ishimura, en la que no solo debe sobrevivir, sino descubrir que sucedió con la tripulación sin caer víctima en el intento.

En esencia, la historia es la misma que en Dead Space 2008, pero se han realizado cambios contextuales para hacerla una trama más actual. Lo principal es que Isaac, ahora cuenta con voz propia y su personaje tiene un papel más activo a nivel conversacional. Otros cambios implican nuevas líneas de diálogos y readecuación de personalidades de los protagonistas.

Por el camino, iremos encontrando fragmentos de documentos, algunos nuevos, que enriquecen el lore general del remake. Algunas escenas fueron reinventadas para dotar al juego de dramatismo y escenas de impacto. Realmente han conseguido que se sienta un juego diferente a pesar de tener la misma historia.

Una comparación gráfica del juego original y el remake

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El recurso más valioso, nuestro ingenio

Hay que dejar claro que Dead Space es un remake al uso, no una simple remasterización con mejoras gráficas. La jugabilidad ha sido re-elaborada agregando algunas nuevas mecánicas pero manteniendo igual la base jugable. Sigue siendo un título en tercera persona con vista desde los hombros, con un sistema de combate que también ha recibido mejoras.

USG Ishimura es una nave enorme que tiene muchos compartimentos y pasillos que los unen, y mientras los recorremos, seremos sorprendidos por los Necromorfos. Ahora, la distribución de algunas áreas ha cambiado y se han agregado otras nuevas. Se ha agregado un sistema de niveles de acceso que recuerda mucho al primer Metal Gear, con algunas puertas con números que indicaban el nivel de autorización para entrar. Esto incentiva mucho el backtracking.

También podremos realizar misiones alternas en el orden que queramos, las podemos elegir en el menú de AR, y al presionar un botón, se activará el Localizador que nos indicará el camino a seguir. Está función vuelve del juego original.

Además de nuevas áreas, también tendremos nuevos rompecabezas que resolver para poder avanzar. Ahora se han incluido el uso de interruptores y generadores de luz para abrir algunas puertas. Será necesario desviar energía de dichos generadores en los que, o abrimos una puerta a cambio de quedarnos a oscuras o no avanzaremos.

El juego sigue llevando de la mano al jugador, con la función de localizador antes mencionada y con algunos registros de audio contextuales que nos indican que hacer a continuación. Sin embargo, el juego seguirá siendo desafiante y opresor, sobre todo en dificultades elevadas.

Vamos por parte, dijo Jack el Destripador

Una de las mecánicas que destacó en el juego original fueron las batallas contra los Necromorfos. Estas criaturas son tan letales como se ven de terroríficas, y para acabar con ellas no valdrán disparos a la cabeza. Lo ideal es ir cortando sus extremidades para reducir el riesgo, sin embargo, no es lo mismo eliminar uno que un grupo, ya que son bastante hostigadores. Si no estamos convencidos de nuestra potencia de fuego, podemos utilizar trampas ambientales como tanques de combustible y objetos corto-punzantes que nos ayudarán en batalla.

Para lo anterior, se ha diseñado lo que Motive Studio llama Sistema de Peladura. Consiste en que cada enemigo posee varias capas de tejido entre piel, carne, músculos y huesos. Estas capas, se deterioran a medida que sufren daño y es un indicativo de la salud general del Necromorfo. Para finalizar, una vez caído el enemigo podemos rematar con un pisotón para evitar sorpresas.

En cuento a la IA, está mejorada porque nos tienden emboscadas y si nos atrincheramos en un compartimento u oficina, los Necromorfos buscarán otras vías de entrada. El juego mantiene en vilo constante al jugador, no solo por lo que vemos, sino además lo que oímos. Existen variantes de Necromorfos y están mejor diseñados con modelos más realistas.

Vuelven las mejoras de nuestras armas, seguiremos colocando nodos en ellas junto con nuevas habilidades especiales que desbloqueamos. Además, nuestras armas tienen nuevos modos de disparos y vuelve la Tienda, en la que podemos comprar mejoras, actualizaciones y objetos como municiones y paquetes médicos. También sirve para vender objetos excedentes y utilizarla como almacenamiento.

Nuevas criaturas, nuevo motor, nuevo apartado gráfico

El juego fue reconstruido desde cero con el motor gráfico Frostbite y los resultados son de infarto, literalmente. Vuelven las opciones de Modos Gráficos: Rendimiento para los 60fps y Calidad para el 4K y Ray-Tracing. A nivel de desempeño el juego se ve impresionante con nuevas animaciones, que se notan mucho más realistas, aunque suelen haber objetos que flotan y extrañas posiciones de los cadáveres, pero nada que cuelgue la partida o la ralentice.

Al ser un juego de terror, la iluminación juega un papel preponderante en la ambientación opresiva del juego, con juego de luces y sombras muy realistas. Mención especial para el diseño de los modelos de Necromorfos, sobre todo cuando le hacemos daño y vemos todos los tejidos de su cuerpo desprenderse.

Un juego de terror no está completo sin su apartado sonoro y Dead Space Remake tiene un sistema de sonido que nos hace sentir indefensos, que estamos siendo acechados y que en cualquier momento de esa zona oscura saldrá un enemigo. El juego cuenta con unos susurros que nos erizarán la piel sobre todo escuchar a bebés gimotear. Viene doblados en varios idiomas, incluyendo castellano con voces que cumplen muy bien su trabajo.

Veredicto

Dead Space Remake como tal, funciona muy bien, tanto que se puede sentir como un juego diferente de no ser por su historia que mantiene las mismas bases del original. Los cambios añadidos, tanto en la forma de adecuar su trama a estándares actuales y otorgar de voz al personaje principal, lo hacen un juego más inmersivo. Jugablemente, es más opresor, terrorífico y divertido por los ajustes en la IA. En su aparatdo técnico, es uno de los juegos del género mejor construidos tanto por su ambientación como por la parte sonora que nos mantendrá en constante vigilancia de cada ricnón.

Nota: Este review fue realizado en la versión de PS5 y el código fue cedido gracias a Electronic Arts.

Cuando se anunció en el pasado Nintendo Direct de septiembre, para muchos fue una sorpresa Fire Emblem Engage. Se pensó que seguiría la estela de Three Houses en cuanto a narración se refiere, sin embargo es una amalgama de sensaciones (positivas en su mayoría) que a la larga va perdiendo fuerza a medida que avanza la historia. La anterior entrega principal, dejó el listón bien alto pero igual trae novedades interesantes.

Entre nuevas mecánicas interesantes, posibilidad de encontrarnos con héroes conocidos de toda la franquicia, una historia más condensada, será parte de lo que encontraremos en Engage y nos encantará. Se entiende como un intento por llevar a un público mucho mayor la serie de rol táctico, pero que se queda corto en algunos aspectos.

Vuelve el héroe amnésico

La trama de Fire Emblem Engage va de la siguiente forma: Estamos en una batalla final en camino hacía el último rincón donde se supone mora el enemigo final, pero una figura fantasmal y conocida nos acompaña, sí, es Marth. Muchos conocen al personaje por Super Smash Bros. Melee, pero viene de mucho antes.

El caso es que tras una serie de acontecimientos, despertamos de un largo letargo (1000 años) y se nos cuenta que somos hijo/a de una deidad Dragón. ¿Pero y que con la batalla final que acabamos de presenciar? Bueno eso se responde más adelante.

Tras despertar nos enteramos que somos la única salvación del mundo, que lo defenderá de fuerzas oscuras que han decidido atacar justo ahora. Para esto debemos buscar 12 anillos, los cuales tienen en su interior el poder de los héroes de juegos anteriores. Sin embargo, no estamos solos, tendremos aliados que reclutaremos y nos ayudarán en este cometido.

Y en esencia, así es Engage, un título en que la historia da brincos inesperados que si nos descuidamos perdemos el hilo. Además de ser una trama harto vista en muchos juegos de corte anime, los personajes secundarios apenas representan un vínculo con el jugador. No llevan el desarrollo que vimos en su antecesor (Three Houses).

Fusión y héroes de antaño

Sin embargo, debo decir que en cuanto a la jugabilidad sí que trae cosas muy buenas e interesantes. Básicamente, el combate de Engage es el mismo combate de estrategia táctica que hemos visto en otros Fire Emblems. Nos movemos por casillas y tendremos diferentes tipos de unidades o clases, las cuales tienen distintos patrones de movimientos y ataques. Cuando llega el turno de atacar, si el enemigo sobrevive podrá devolvernos el ataque, lo mismo que si es a nosotros.

Como ya dije, tendremos diferentes tipos de unidades que son idóneas para tal o cual tarea. Muchas tienen habilidades activas y pasivas que nos benefician en determinadas situaciones. Tendremos también una mecánica de rebobinado a través de un ítem que permite retroceder varios turnos, aunque esto puede ser opcional uilizarlo o no.

Pero donde realmente, difiere el juego es con la adición de los héroes Emblema. Tenemos hasta un total de 12 anillos que podemos equipar a nuestras unidades. Estos anillos permiten convocar guerreros de juegos anteriores de Fire Emblem, y cada héroe tiene poderes únicos que pueden cambiar el rumbo de la batalla. Pero no solo es equiparlos y disfrutar de sus ventajas, debemos llenar una barra con cada turno hasta que podamos hacer uso de la fusión.

Vuelve la mecánica de Piedra, Papel y Tijeras. Consiste en que Espada vence Hacha, Hacha vence lanza y Lanza espada. Pero aquí se va un paso más allá ya que las Artes vence a los arcos, grimorios y dagas. Esto permite incapacitar (Efecto Ruptura) enemigos de manera temporal y asestar un ataque adicional. Además, los escenarios juegan un papel determinante en las refriegas, ya que saber colocarnos en puntos con ventaja determina la caída de nuestras unidades.

Juego nuevo aunque muy tradicional, y eso es bueno

Al mantener las bases jugables de otras entregas el juego obliga a pensar bien cada paso. Por esta razón el juego no es tan sencillo como pudiera parecer, podemos perder unidades si caen en batalla, aunque esto se puede desactivar. Tendremos distintos tipos de misiones como eliminar todas las tropas, derrotar solo al jefe, salvar aliados, etc.

Dispondremos de una base de operaciones llamada Somniel, en la cual podemos (previo desbloqueo), conversar con aliados, comprar objetos y equipo, crear armas en una herrería, y una zona de entrenamiento. También, habrá una granja en que cuidar de los animales que adoptemos como forma de distraernos de tantos combates.

El juego cuenta con una vertiente online en la cual podemos enfrentarnos a ejércitos de otros jugadores y crear nuestros propios mapas. También tenemos un modo en el que podemos jugar de manera cooperativa por turnos hasta un total de cinco jugadores.

A nivel visual, Engage es más colorido que Three Houses, y se apega más a una serie anime. El juego está renderizado en Cel-Shading y es uno de los mejor llevados a cabo que he visto. Claro, en algunas partes se notan las costuras en ciertas texturas, pero son mínimas en comparación con el plano general del juego. Tiene algo de popping, pero otros problemas más graves no están presentes, por suerte.

La banda sonora tampoco se queda atrás, y es lo que solemos escuchar en este tipo de títulos de guerra y batallas. Viene doblado a los idiomas habituales, japonés e inglés, con subtítulos en español. Ambos trabajos de doblajes están muy bien representados, aunque la sincronización de labios no está del todo a la par.

Veredicto

Fire Emblem Engage es un buen título de la serie FE, sobre todo por las nuevas mecánicas de los anillos y las que vuelven de otros juegos. Es un juego que a pesar de su aspecto, no es un paseo por el parque y nos hará pensar bien cada jugada. Sin embargo, a nivel de historia se queda por debajo de otras entregas, siendo una trama que ya hemos visto muchas veces. Es el FE más colorido y bonito que hayamos visto, con una jugada magistral del Cel-Shading. Muy recomendado a los amantes del rol táctico y la saga.

Nota: Este review fue realizado gracias a la copia cedida por Nintendo.

Tras el lanzamiento de Persona 5, Atlus se puso en el radar de muchos fanáticos como una desarrolladora a tener en cuenta. Debido al éxito alcanzado con las sub-siguientes revisiones como Persona 5 Royal y la edición para PS5 y Xbox Series, el desarrollador también anunció el lanzamiento de los remasters de Persona 3 Portable y Persona 4 Golden.

Ahora, nos toca revisar a Persona 3 Portable, el cual hay que destacar que no es la versión que saliera para PS2, sino la de PlayStation Portable. Esta revisión, tiene algunas diferencias bien marcadas en cuanto a gameplay. Para mí, que jugué la versión de PS2, me sorprendió saber que el juego que nos ocupa, tenía una versión tan diferente en PSP. Y ya que jugué ambos títulos, puedo dar mis opiniones al respecto.

Una hora oscura

Lo interesante de las historias que nos cuenta la serie Persona es la visión propia de la época moderna. Persona 3 Portable se ubica en un Japón moderno del año 2006 donde proliferan los celulares plegables, música electropop y que cada quien vaya a su rollo. Supieron captar muy bien como era la sociedad de aquellos años, y esto es parte de lo que nos encanta.

La historia cuenta como un estudiante de transferencia ingresa en la Academia secundaria Gekkoukan, en la ciudad de Iwatodai. De camino a la posada de la escuela, es atacado por una serie de extraños seres conocidos como Sombras, unas criaturas que se alimentan de las emociones de sus víctimas y prácticamente los dejan huecos durante en un fenómeno conocido como «La Hora Oscura». Este hecho despierta en nuestro protagonista a su Persona llamado Orpheus, y que más adelante descubre que hay una sociedad secreta que los enfrenta, la organización conocida como SEES.

Básicamente, a nivel narrativo es es el mismo juego que el de su hermana mayor, a excepción de una diferencia bien marcada, poder elegir el género del o la protagonista. Esto repercute en la forma en que nos relacionamos con los demás personajes, por ejemplo, los intereses amorosos del jugador masculino, pasan a ser solo amigos con el personaje femenino. Además, tanto nuevas líneas de diálogos como situaciones fueron reescritas para encajar con el género.

Otro cambio es que se han agregado más enlaces sociales que en la versión original, por lo que contrario a lo que se puede pensar, P3P, no es un juego recortado, al menos a nivel narrativo. De hecho, eventos importantes fueron modificados para que se ajusten al cambio de género. Es tan así, que se puede llegar a sentir que el personaje femenino fue más desarrollado, en detrimento del masculino.

Entre la escuela y las mazmorras

La serie Persona se ha caracterizado por dividir su jugabilidad en dos vertientes. Por un lado ser un simulador escolar y explorador de mazmorras RPG, lo mismo pasa en Persona 3 Portable. Disponemos de un calendario escolar, en el cual debemos dividir como realizar nuestras actividades entre asistir a clases, pertenecer a clubes escolares, salir con los amigos y tener citas amorosas. Eso por un lado, ya que por el otro, debemos visitar las mazmorras en el Tartarus en la Hora Oscura cuya construcción cambia cada vez que entramos.

Sin embargo, la mayor diferencia con el juego original, además del personaje femenino, es la mecánica de exploración en la escuela que pasa a ser literalmente una novela visual. Esto conlleva presenciar escenas estáticas y algunas secciones de Point & Click que simplifican bastante la jugabilidad, de hecho hasta aumenta la velocidad a la pasa la historia. En vez de tener personajes poligonales moviéndose por los escenarios, tendremos imágenes pre-renderizadas inmóviles en las que moveremos un cursor para seleccionar personas y objetos con los que interactuar. Muchos van a extrañar el antiguo formato.

Cuando se trata de explorar Tartarus, el juego retoma su configuración de exploración en 3D y ya podemos movernos como cualquier otro RPG tradicional. La exploración consiste en subir la torre Tartarus con el objetivo de adquirir experiencia para enfrentarnos a retos mayores. Cada personaje son ayudados por sus Personas y por el camino iremos reclutando a otras Personas o en su defecto fusionarlas. Básicamente, es el mismo sistema que se utiliza en Persona 5.

Tenemos uso de comandos como ataque, habilidades, objetos y escapar. Aquí se introdujo el Sistema de Press Turn o One More (Santo y Seña de Shin Megami Tensei), pero más simplificado. Tendremos misiones secundarias, y dependiendo del nivel de Social Link que hayamos desarrollado en nuestras relaciones, tendremos ciertas ventajas en combate. Persona puro y duro.

Versión mejorada

Al ser un remaster de una reedición del original, obviamente debe venir con ciertas implementaciones y mejoras en la calidad de vida. Empezando con las mejoras visuales que detallaremos en su correspondiente sección, pero que de manera general se suavizaron las texturas. Otro cambio son los controles mucho menos toscos que la versión original.

A nivel jugable, además de los puntos de guardado, se puede hacer un Guardado Rápido que se borrará una vez iniciemos la partida conservando el guardado manual. Se han agregado cuatro niveles de dificultad que van desde Muy Fácil hasta Muy Difícil, disponibles desde el principio del juego y se pueden cambiar en cualquier momento.

Portado a consolas actuales

Si bien es cierto que Persona 3 Portable se ve genial en consolas modernas, no podemos dejar de mencionar que obviamente fue un juego simplificado hasta en lo gráfico. El juego se ajustó a formatos de pantallas 16:9. y las imágenes tienen ese toque suave en las texturas. Sin embargo, los personajes traen sus polígonos tal cual de PSP, incluso la versión de PS2 estaban mejor manejados.

Vuelve a destacar la genial banda sonora de Persona 3, la cual está compuesta por Shoji Meguro. Con temas del género Soul, Electropop, Rock, entre otros. Nuevos temas fueron agregados para la versión femenina del personaje principal. Y a pesar de que el juego es más como una novela visual, mantiene todas sus líneas de dialogo y efectos de sonido.

Veredicto

Persona 3 Portable es un JRPG de la serie homónima que puede llevar el nombre en alto, aun y que es una versión simplificada. Sin embargo, fue una elección extraña debido a que se eligió la versión de PSP en detrimento de Persona 3 FES de PS2. Pero mantiene su historia intacta con algunos añadidos si optamos por ser el personaje principal femenino. A nivel jugable es una versión más ágil, pero algunos no verán con buenos ojos las sesiones de Novela Gráfica. Aun con todo es un juego recomendable para los amantes del género y de la serie.

Nota: Este review fue realizado en la versión de PS5 y el código fue cedido gracias a Atlus.

Continuando con la revisión de las reediciones para consolas modernas de la serie Persona, toca el turno a la cuarta entrega, Persona 4 Golden. Lanzado originalmente en 2008, reeditado en 2012 para PS Vita con el subtítulo Golden y considerado por muchos uno de los mejores de las saga, dependiendo si has jugado o no Persona 5 Royal. Es la versión definitiva del juego original que agrega más contenido, mejoras en la calidad de vida y actualizado para las consolas de esta generación.

Este fue otro juego que tuve la oportunidad de jugar hace unos años, sin embargo, no pude llegar muy lejos. Ahora, al poner mis manos en profundidad, me di cuenta de varias cosas, como por que es tan aclamado y por qué Persona 5 es lo que es hoy día. Esta es la versión remasterizada que se lanzó en 2020 para PC, y que Atlus nos quedó a deber a los propietarios de consolas en ese momento.

Un canal siniestro

Persona 4 Golden, tiene lugar en la ciudad ficticia de Inaba, un pequeño pueblo japonés en el que, hasta el momento, se vive una vida tranquila. Encarnamos a un estudiante que recién se viene a vivir con su tío y su prima debido a cuestiones mundanas. Sin embargo, la ciudad se ve envuelta en un halo de misterio debido a una serie de extraños asesinatos que toman lugar en días lluviosos.

Pronto nos damos cuenta que existe una dimensión paralela conocida como «El Canal de Medianoche», en la que las personas asesinadas son arrojadas aquí a través de la pantalla de un televisor. Como protagonista, debemos adentrarnos en esta extraña zona que es un reflejo de nuestro mundo, junto a nuestros amigos para evitar que más gente siga muriendo.

En esta ocasión, Atlus se las ingenió para contarnos una trama apegada a la premisa de la serie pero colocándonos en una zona rural en vez de una gran urbe como lo fue en Persona 3. Aun así, es una historia interesante en la que se tocan temas maduros, oscuros y filosóficos, como viene siendo habitual en los juegos de la serie Shin Megami Tensei. Vuelven a contarnos una historia comtemporánea, con matices propios de la época en que se lanzó el juego originalmente.

Como es habitual, parte del atractivo tiene que ver con los personajes que iremos conociendo. Desde los personajes principales, aliados y hasta los secundarios, ahondaremos en sus historias particulares y esto se refleja no solo en como nos tratan, sino también en la jugabilidad. Además, hacer ciertas cosas o no, implica poder presenciar acontecimientos que derivan en distintos finales para el juego. Esto convierte a Golden en un título muy rejugable.

Ser un ente social y heroe a la vez

Persona 4 Golden, vuelve a dividir su jugabilidad en dos vertientes como son: una vida estudiantil común y corriente de día, y exploración de mazmorras por las noches. En el primero debemos atender deberes cotidianos como asistir a clases, quedar con amigos, tener citas amorosas, trabajar a medio tiempo etc. Tendremos una ingente cantidad de actividades en las que debemos saber elegir cual hacer en momentos concretos, ya que los el juego se divide en un calendario de un año.

Se vuelve a hacer énfasis en las relaciones sociales (Social Links) con los demás personajes. Esto permite cultivar amistades que nos dan ventajas a nivel de jugabilidad en las batallas de las mazmorras, además de tener nuevas opciones de diálogos. También se nos permite desarrollar atributos de nuestra personalidad, lo que implica poder afrontar mejor situaciones que se nos presenten en el día a día.

La otra cara de la moneda son las mazmorras del mundo paralelo. Debemos recorrer unos pasillos que se generan de manera aleatoria ya sea para subir o bajar pisos con el fin de limpiar la zona de enemigos y encontrar tesoros. Lo haremos en compañía de nuestros amigos para cuando las cosas se compliquen y nos toque pelear.

En lo que respecta al combate, es básicamente un JRPG por turnos en los que tendremos varios comandos par afrontar las batallas. En estas batallas utilizaremos ataques normales y uso de habilidades gracias a nuestras Personas. Cada miembro del grupo tendrá su propia Persona y estas tendrán diferentes atributos entre ventajas y desventajas. Es el sistema de juego conocido en Persona 5 pero con otros assets.

Se mantienen el uso de habilidades para explotar las debilidades tanto de los enemigos como de nosotros. Vuelve la mecánica Press Turn (Uno Más) en la que si damos un golpe crítico o atacamos las debilidades, tendremos un turno adicional, pero esto lo pueden hacer los enemigos también. Otra mecánica es el reclutamiento de Personas, para luego fusionarlas en otras más poderosas a tarvés de la Velvet Room en la que nuestro recurrente amigo Igor nos dará la bienvenda.

Versión definitiva

Tal como Persona 3 Portable, Golden trae novedades que heredó de la versión de Vita y las otras nuevas de esta versión de consolas modernas. Empezamos con mejoras en la resolución de gráficos, se podrán hacer Guardados Rápidos, manejar los demás miembros del grupo en las batallas, nuevos Social Links, entre otras.

Inclusión de nuevas dificultades que se podrán elegir en cualquier momento, las mismas que en P3P. También un modo galería en el que podemos ver los videos que hayamos desbloqueado, un reproductor de música. Es una edición muy completa.

Un estilo muy Persona

Persona 4 Golden, aunque es un juego con una base antigua se ve mucho mejor que su contraparte P3P. Los modelados se ven mas estilizados, con ajustes de pantalla 16:9, resolución a 4K y tasa de frames estable. Sin embargo, el tiempo ha vuelto a hacer que se noten ciertas costuras como la calidad de las escenas animadas que se ve por debajo y con cierto ruido gráfico. Además, algunas texturas dejan notar de que generación viene este remaster.

Sin embargo, Atlus vuelve a mostrar su maestría a la hora de trabajar en la banda sonora. Vuelven los temas cancheros de los géneros pop, rock, electro, etc. Algunos de los temas fueron retrabajados, pero por lo general, se escuchan excelente. El juego viene doblado al japonés e inglés, destacando el idioma nipón, aunque el de Shakespeare es muy bueno.

Veredicto

Persona 4 Golden es sin duda, lo que fue Persona 5 Royal cuando se lanzó, una versión muy completa de un juego que ya era genial. Está claro que fue el paso adelante en lo que sería la saga a partir de la quinta entrega. Su historia atrapante, donde cada personaje es importante, su sistema de simulación de vida escolar y exploración de mazmorras son a prueba de fallos. Las novedades añadidas acercan al juego a títulos modernos y lo hacen ampliamente disfrutable. Muy recomendado para los fans de la serie y los RPG.

Nota: Este review fue realizado en la versión de PS5 y el código fue cedido gracias a Atlus.